Титаны Высокого Возрождения

В конце XV — начале XVI в. в рамках итальянского Возрож­дения сформировалась художественная культура, не имевшая равных по своим идеалам и эстетическим ценностям. Высокое Возрождение — это период ослепительно ярких взлетов в искус­стве и одновременно трагических падений и кризисов в государ­ственной и экономической жизни Италии. Этот недолгий (около 40 лет) период в развитии художественной культуры выдвинул плеяду блестящих мастеров, среди которых в первую очередь следует назвать титанов Возрождения — Леонардо да Винчи, Микеланджело и Рафаэля.

Новое искусство творили художники, прекрасно осознававшие свое высокое предназначение. Это были люди, обладавшие энциклопедическими знаниями во многих областях науки, философии и искусства. Они прекрасно усвоили законы изображения трехмерного пространства, постигли тайны рисунка, колорита, овладели приемами передачи воздушной среды, света и тени. В их произведениях появились свобода, гармония и естественность движений. Они в совершенстве изучили видимый мир во всем его бесконечном разнообразии, блеске и красоте.

Какими же были идеалы и мечты творцов Высокого Возрождения? Прежде всего это были идеалы гуманизма, непоколебимой веры в творческие возможности гармонично развитого человека. Проблемы гражданского долга перед обществом, высоких моральных качеств и героического подвига составляют главное содержание искусства того времени.

В отличие от художников Раннего Возрождения, осуществлявших экспериментальные поиски и аналитические исследования окружающего мира, мастера Высокого Возрождения, отказавшись от частностей, пришли к постижению универсальных законов бытия, к синтезу и обобщению явлений реальной жизни. Искусствовед Н. А. Дмитриева писала:

«Раннее возрождение — «это анализ, поиски, находки, это свежее, сильное, но часто еще наивное, юношеское мироощущение». Высокое возрождение — «синтез, итог, умудренная зрелость, сосредоточенность на общем и главном, сменившая разбрасывающуюся любознательность Раннего Ренессанса».

Если художники XV в. немало внимания уделяли изображе­нию частностей (обстановки, интерьера, природы, деталей костю­ма), то в начале XVI столетия главное внимание было приковано к личности Человека, с которой они связывали свои главные меч­ты и надежды.

Одновременно это было очень трудное и трагическое для Ита­лии время, когда государственная тирания, борьба за власть, соперничество между городами, правителями и представителями церкви приводили к кровавым столкновениям и кризисам. Про­славленный гуманист, философ Марсилио Фичино (1433—1499) писал: «Я ничего не слышу, кроме шума оружия, топота ко­ней, ударов бомбарды, я ничего не вижу, кроме слез, грабежей, пожаров, убийств». И это тоже была правда о Возрождении, мечтавшем об идеальном устройстве мира и совершенном Чело­веке.

Крупнейшим центром художественной культуры в это время становится Рим. Папы Римские Юлий II (1503—1513) и Лев X (1513—1521) делали все возможное для того, чтобы город, более тысячи лет пролежавший в руинах, вновь превратился в центр мира. Флоренция, Неаполь и Милан тщетно пытались удержать своих прославленных мастеров. Рим становился центром мирового искусства.

Художественный мир Леонардо да Винчи

Основоположником искусства Высокого Возрождения по праву считают Леонардо да Винчи. Он родился в 1452 г. в семье флорентийского нотариуса Пьетро да Винчи. Уже в детстве его отличала исключительная любознательность: он увлекался геологией и ботаникой, наблюдал за игрой солнечного света и тени, за полетом птиц, движением воды. Он усердно изучал латинский язык, открывающий ему путь к постижению различных наук. В ранней юности он получил основательную математическую подготовку и проявил особый интерес к изобретательству. Леонардо занимался также поэзией, пением и музыкой, играл на скрипке и на арфе, был искусным собеседником. Кроме наук и искусств, в молодости он много занимался физическими упражнениями, превосходно ездил верхом, плавал и сражался на шпагах. Рано проявившаяся художественная одаренность юноши побудила отца отдать его в обучение к одному из самых знаменитых художников Италии — Андреа Верроккьо (1435— 1488). Именно тогда раскрылся многогранный талант Леонардо. Его первые творческие работы свидетельствовали об огромном даровании. Живопись стала для него лучшим инструментом познания мира природы и Человека.

Леонардо да Винчи привлекали евангельские сюжеты, в художественном воплощении которых раскрылся непревзойденный талант тонкого психолога («Поклонение волхвов», «Тайная вечеря»). Произведения Леонардо принесли иное, по сравнению с предыдущим периодом, понимание женской красоты. Воплощением женского идеала становится Мадонна с младенцем Иисусом Христом — возвышенный символ материнства и жертвенной любви к людям. Лучшие произведения художника на этот сюжет — «Мадонна Литта» и «Мадонна Бенуа» — жемчужины коллекции Эрмитажа. Не менее известны его картины «Мадонна в скалах» и «Святая Анна с Марией и младенцем Христом». Не раз художник обращался и к образам своих современниц. «Портрет Изабеллы д’Эс-те», «Дама с горностаем» и «Портрет Джинервы Бенчи» — это возвышенно поэтические образы эпохи Возрождения.

Среди шедевров Леонардо — «Джоконда» — самое загадочное произведение художника. Четыре года он работал над портретом Моны Лизы — молодой жены богатого и известного флорентийца Франческо Джокондо. Впрочем, можно ли это произведение назвать портретом? Кажется, это гораздо больше, чем просто портрет, это «песнь торжествующей любви» самого художника. По свидетельству Вазари, во время работы Леонардо приглашал в свою мастерскую певцов, шутов, музыкантов, которые должны были не только поддерживать веселое настроение Моны Лизы, но и давать возможность художнику наблюдать за сменой ее чувств, неуловимой изменчивостью выражения лица.

Смелым новаторством и глубоким философским смыслом проникнуты замысел и воплощение «Джоконды». В портрете художнику удалось создать глубоко обобщенный, идеально возвышенный образ человека эпохи, лицо, озаренное чувством собственного достоинства и внутренней духовной силой. Не случайно Вазари подчеркивал, что, создав этот портрет, Леонардо «совершил настоящее чудо», «это вещь скорее божественная, чем человеческая». Да и сам художник так полюбил его, что по окончании работы не пожелал расстаться с ним и всю оставшуюся жизнь возил с собой.

В чем же секрет неувядающей славы и силы эмоционального воздействия этого произведения? Почему вот уже пять столетий оно приковывает внимание зрителей? Исследователи утверждают, что главный секрет таится в загадочной улыбке Джоконды. Вглядываясь в нее, мы невольно ловим себя на мысли, что вступаем в незримый диалог с этой женщиной, мучительно пытаясь разгадать что-то очень важное, лежащее за пределами реальной жизни. Может быть, во всей мировой живописи нет подобного образа, создающего иллюзию улыбки живых глаз. Джоконда буквально меняется на наших глазах: сначала она поражает своей задумчивостью, затем ее взгляд кажется то сосредоточенным и напряженным, то рассеянным. На смену легкой иронии приходят открытая доброжелательность и участие.

Как чуткий собеседник, она откликается на любое наше настроение и мысли. Благодаря теням, таящимся в уголках рта, улыбка то исчезает, то неожиданно появляется вновь. Нежнейшая светотень — сфумато (от итал. «затуманенный, рассеянный»; термин, обозначающий мягкость живописной манеры, плавность тональных переходов, размытость контура), которой мастерски пользовался Леонардо, помогала преодолеть скованность и неподвижность лица, действительно сделав его зеркалом душевных переживаний. Техническая сложность этого приема заключалась в том, что масляные краски, которыми пользовался художник, по природе своей непрозрачны. Для достижения желаемого эффекта Леонардо наносил поверх высохшего красочного слоя несколько десятков лессировок (тончайших слоев прозрачных и полупрозрачных красок). Их мерцание создавало впечатление воздушной дымки, сквозь которую проступали неясные, размытые очертания предметов. Теофиль Готье (1811— 1872), французский поэт-романтик, уподоблял Джоконду древнему загадочному сфинксу, «который таинственно улыбается из рамы картины Леонардо да Винчи и, кажется, предлагает восхищенным столетиям загадку, которую они еще не решили».

Несомненны также композиционные и колористи­ческие достоинства этого произведения. Мона Лиза изображена сидящей в кресле на высоком балконе, с которого от­крывается прекрасный горный пейзаж. Между скалами извива­ется уходящая в горы дорога, справа через реку перекинут ка­менный мост. Коричневые скалы, кажущиеся издали голубыми, лента дороги, поблескивающая на солнце вода представлены обобщенно. Это не столько конкретное изображение определен­ной местности, сколько собирательный взгляд художника на природу как на «regnum hominis» («царство человека»). Удиви­тельный парадокс: небольшая по размерам картина воспринима­лась как монументальное полотно. Это ощущение рождало соот­ношение фигуры и величественного фона.

Кроме линейной перспективы, передающей глубину про­странства, Леонардо использовал перспективу воздушную, пере­дающую изменения в цвете и ясности очертаний предметов в за­висимости от расстояния. Цветовая гамма портрета — зеленые, голубые и золотистые тона — отличается благородной сдержан­ностью, тонкостью цветовых сочетаний и сложнейшими перехо­дами от полутени к полусвету. Рассматривая «Джоконду» в раз­ное время дня, при разных условиях освещения, мы видим осо­бую игру красок, вызванную изменчивостью природы.

Не раз обращались художники к этому образу, многие пыта­лись копировать творение Леонардо, но никому не удалось пос­тичь тайну загадочной улыбки «Джоконды».

Последние годы жизни Леонардо провел во Франции, куда был приглашен королем Франциском I. Здесь вплоть до самой смерти в 1519 г. он писал трактаты о живописи, природе воды,

строении различных машин, ставил опыты. Он пробовал объяснить причины движения, распространения звука, света и тепла, пытался сформулировать основ­ные законы механики. Во многих выска­зываниях Леонардо не раз повторялась мысль, что искусство должно не только учиться у природы, но и попытаться пре­взойти ее.

С единственного автопортрета, вы­полненного художником в преклонном возрасте, на нас пристально смотрит че­ловек, умудренный жизненным опытом. Лицо старца изборождено глубокими морщинами, густые брови нависли над глазами, пышная борода растрепана. Плотно сжатые уголки губ запечатлели скорбную усмешку. Грустный проницательный взгляд выражает не только прежнюю силу и мощь, но и затаенную печаль. Да, это взгляд мудреца, сумевшего лучше других исследовать тайны человеческой души, познать законы мира и выразить их возвышенным языком искусства.

Бунтующий гений Микеланджело

Непримиримый и гордый, бунтующий и суровый, Микеланджело перенес все муки творческого человека эпохи Высокого Возрождения. Борьба, страдание, протест, неудовлетворенность жизнью, душевный разлад, поиски смысла бытия — вот что наполняло жизнь выдающегося мастера. Любимые герои Микеланджело — библейский пророк Моисей и Давид, мужественный Прометей, кроткая и смиренная Мария, оплакивающая сына Христа, — обозначили важнейшие вехи творческого пути художника.

Микеланджело родился в 1475 г., а умер в 1564 г., пережив Леонардо да Винчи и Рафаэля на четыре с половиной десятилетия, оставив далеко позади эпоху Высокого Возрождения. В последние годы жизни он стал свидетелем того, как грубо попираются идеалы гуманизма. Все это глубоко возмущало и ранило художника. В одном из своих стихотворений он писал:

Отрадно спать, отрадней камнем быть,

О, в этот век, преступный и постыдный,

Не жить, не чувствовать — удел завидный.

Прошу, молчи, не смей меня будить.

                              (Перевод Ф. И. Тютчева)

В историю мировой культуры Микеланджело вошел как блестящий мастер скульптуры. Уже в 23 года он создал удивительное произведение, которое принесло ему известность и славу. Тысячи паломников и жителей Рима ежедневно толпились у статуи «Пьета» в соборе Святого Петра. В городе только и было разговоров, что об этом произведении и о его великом творце. Хвалебным речам и заказам, казалось, не было конца. Один из кардиналов заказал у скульптора сразу 15 статуй для сиенского собора...

В своем творчестве Микеланджело последовательно отстаивал веру в безграничные возможности человека, в силу его воли и разума. Именно ему принадлежало создание ярчайшего символа эпохи — замечательной скульптуры «Давид» (1501—1504). «Флорентийский гигант» (высота 5,5 м) — так называли современники одно из самых прекрасных созданий художника. Вершиной художественного мастерства стала также скульптура библейского пророка Моисея, которой было посвящено сорок лет жизни...

В 1520 г. Микеланджело получил заказ на выпол­нение внутреннего убранства погребальной капел­лы герцогов Медичи во флорентийской церкви Сан-Лоренцо. Гробница известных представителей династии должна была обес­смертить их имена. Первоначально было задумано пять гробниц, но сделать удалось лишь две — у южной и северной стен капел­лы. Каждая представляла собой саркофаг, на крышке которого возлежат аллегорические фигуры «Утра» и «Вечера», «Дня» и «Ночи». Мастерство скульптора проявилось в умелом объедине­нии пристенных надгробий с архитектурой капеллы. В над­гробии Джулиано Медичи Микеланджело создал единый ан­самбль, обладающий необычайной силой эмоционального воздей­ствия на зрителей. Вазари очень верно оценил эту гениальную работу художника:

«...Изумляет он всякого мыслью, выраженною им в гробни­цах... Позы этих статуй так прекрасны, мускулы переданы так искусно, что, если бы искусство погибло, их одних оказа­лось бы достаточно, чтобы возвратить ему первоначальный свет». Идея трагического бессилия человека перед силой всесокру­шающего времени объединила все созданные им скульптурные образы. Фигура «Ночи» стала одним из самых ярких символов Жизни и Смерти. Сильная и красивая женщина спит, но сны её беспокойны и тревожны. Мучительно неудобная поза выражает скрытое движение, отрешенное выражение усталого и скорбного лица призвано подчеркнуть трагический смысл образа. Поэт Джованни Строцци  не случайно написал о ней:

Ночь, что так сладко пред тобою спит,

То ангелом одушевленный камень:

Он недвижим, но в нем есть жизни пламень,

Лишь разбуди — и он заговорит...

                                      (Перевод А. Эфроса)

Образы времен суток стали для Микеланджело отражением глубоких философских размышлений о смысле жизни и смерти.

Мы погоняем ночь, как скакуна,

И тщимся днем вкусить отдохновенье.

Надежда на покой обречена —

Его сулит нам только сновиденье.

А жизнь из разных нитей сплетена:

Добро и зло — друг в друге отраженье.

В незавершенной аллегорической скульптуре «День», выпол­ненной из грубо обработанного камня, заметны следы резца. Можно увидеть использование техники non-finito («не закончен­ное»), которую Микеланджело часто применял в скульптурных произведениях последних лет жизни.

Микеланджело соорудил анонимные гробницы, отказавшись от каких бы то ни было пояснительных надписей. И в этом также заключался глубокий философский смысл:

Напрасны эпитафии для славы —

К ней нечего прибавить иль убавить:

Со смертью всем деяниям конец.

Четырнадцать лет жизни Микеланджело посвятил сооруже­нию этой гробницы, ставшей своеобразным реквиемом культуре итальянского Возрождения. Капелла Медичи была последним произведением, выполненным в родной Флоренции. В 1534 г. он отправился в Рим, где ему суждено было сделать не менее важ­ные художественные открытия.

Мировую известность Микеланджело принесли росписи сво­да Сикстинской капеллы в Риме, в которых нашли отражение трагические противоречия эпохи Возрождения. Он долго не со­глашался, так как считал себя скульптором, а не живописцем, но Папа Римский Юлий II настаивал, и великому мастеру пришлось уступить. Ему предстояло расписать площадь в 600(!) м2. Отка­завшись от помощи учеников, Микеланджело все делал сам. Рабо­та растянулась на долгие четыре года и потребовала от художника большого напряжения физических и духовных сил. День за днем, ночь за ночью он проводил в капелле, сутками не спускаясь с ле­сов. Это был невыносимо тяжелый, поистине титанический труд.

По замыслу автора свод должны были украсить эпизоды со­творения мира и человека от первых дней творения до грехопадения, Всемирного потопа и истории Ноя. Художнику очень хотелось показать зрителям эволюцию духовного восхождения человека от низшего к высшему, от греховности к святости, от человека в толпе к идеальной и совершенной личности. Получив одобрение Папы Римского, Микеланджело приступил к работе... Так появились замечательные фрески «Отделение света от тьмы», «Сотворение Адама», «Грехопадение и изгнание из рая», «Потоп» и др.

В 1536—1541 гг. Микеланджело продолжил работу в Сикстинской капелле, украсив ее алтарную стену фреской «Страшный суд», ставшей апофеозом страдания и справедливого возмездия. Вновь здесь были возведены леса, и на них появилась фигура художника, с утра и до последнего луча солнца, наносившего мазки на свежую штукатурку. Как ему хотелось передать в красках человеческие чувства и страсти: надежду и отчаяние, измену и предательство, бессильный гнев и нестерпимую физическую боль, ужас и умиление, радость и восхищение...

Глядя на фрески, потрясенные зрители действительно испытывали смятение и страх, им мерещились крики и стоны несчастных, напрасно молящих о помощи. Ужас всемирной катастрофы и возмездия за грехи человеческие художественно представлен в сложных сплетениях тел, разнообразии поз и ракурсов, усилен богатством колорита, контрастами света и тени. В общей композиции, насчитывающей более 300 фигур, зрители различали души воскресших к новой жизни: блаженных, святых апостолов, пророков и мучеников. Одни из них показывали раны на теле — зримые свидетельства земных страданий, другие смиренно ждали своей участи. Над душами тех, кого ожидало спасение, витали ангелы.

В центре концентрической композиции Микеланджело изобразил мощную фигуру Христа, карающего людей за совершенные грехи. В величественном облике Творца-Демиурга, в его страстном и волевом жесте нашел отражение диалектический взгляд художника на мир, сущность которого заключалась в постоянном столкновении противоборствующих сил. Поднятой правой рукой Христос обрушивает вниз фигуры грешников, пытающихся подняться вверх, а левой — притягивает к себе избранных, стоящих справа от него. Его фигуру можно воспринимать не только как орудие справедливого возмездия, но и как единственную точку опоры, надежду на спасение и созидание нового. Именно это обстоятельство выявило суть авторского замысла, определило оптимистический характер восприятия монументальной фрески.

Долгий и трудный путь на земле Микеланджело закончил со­зданием вознесшегося к небесам купола собора Святого Петра в Риме. В городе, некогда поразившем его творческое воображе­ние, ему суждено было оставить вечную память о себе. В предло­женном им проекте нашла воплощение идея центрального ку­польного сооружения, усилившая монолитность и динамичность всего архитектурного облика. При жизни мастера были заверше­ны алтарные стены и пилоны, начал возводиться купол. Мике­ланджело не суждено было увидеть свою работу завершенной, за­мысел архитектора был воплощен по его проектам и чертежам уже после смерти.

Умирая, Микеланджело оставил краткое завещание: «Я от­даю душу Богу, тело земле, имущество родным». В своей жизни он сделал гораздо больше: он подарил человечеству свои бес­смертные творения, снискав в веках славу Гения.

 Рафаэль — «первый среди великих»

Более пяти столетий имя Рафаэля (1483—1520) окружено ореолом поклонения и восхищения. Исследователи отмечали «непринужденный вкус в выборе прекрасного, способность ума извлекать из многих частностей красоту, живое чувство... лег­кость послушнейшей кисти в воплощении творческой фантазии...» Современники, высоко ценившие его талант, называли художника «божественным Рафаэлем».

Эти слова не были преувеличением. Как никто другой из жи­вописцев, Рафаэль умел убедить в правдивости созданных им об­разов и в то же время зародить в душе стремление к поискам пре­красного. Свои творческие искания он воплотил в совершенных образах Мадонны, в монументальных фресках, алтарных карти­нах и реалистических портретах. Он умер в зените славы, в пол­ном расцвете сил, но за свою недолгую жизнь создал множество произведений, составивших гордость мировой культуры. Первые творения Рафаэля («Сон рыцаря», «Святой Георгий, поражаю­щий дракона») свидетельствовали об огромном даровании начи­нающего художника.

Рафаэля справедливо считают певцом женской красоты. Он говорил: «Чтобы написать красавицу, мне надо видеть многих красавиц. Но ввиду недостатка... в красивых женщинах, я поль­зуюсь некоторой идеей, которая приходит мне на ум. Имеет ли она какое-либо совершенство, я не знаю, но очень стараюсь его достигнуть». Благородные овалы лиц, длинные прямые волосы, спокойные и добрые глаза, чуть тронутые улыбкой губы — тако­вы созданные им женские образы.

Рафаэлем написано более двадцати Мадонн, среди которых достойное место занимает ранняя работа — «Мадонна Конестабиле». На фоне пейзажа изображена молодая женщина с ребен­ком на руках. Задумчивое, немного грустное лицо обращено к книге Священного Писания. Рассеянным взглядом она скользит глазами по давно знакомым строчкам. А в это время шаловливый ребенок пытается перевернуть страницы книги. Молодая мать и ее дитя удивительно трогательны и простодушны. Рафаэль мастерски вписывает фигуры Марии и малыша в очень сложную для живописцев форму тондо (итал. «круг»). При этом он соблюдает все законы перспективы, не нарушая естественных форм зрительного восприятия мира.

Увлекшись монументальной живописью, выполняя многочисленные заказы, художник не расставался с темой материнской красоты. С вдохновением и любовью Рафаэль пишет непревзойденную «Сикстинскую мадонну», давно уже вошедшую в наше сознание как символ жертвенной любви во имя спасения человечества. Композиция поражает величественностью и гениальной простотой. Дева Мария медленно сходит на землю... Она только что сделала шаг навстречу людям, но главное ее движение еще впереди. Взгляд Марии лучистый, глаза широко и доверчиво открыты, они светятся нежностью и добротой. Мадонна держит на руках младенца — самое дорогое, что есть у нее в этом мире. Она несет его людям, прекрасно понимая, какая трагическая судьба уготована ему. Но и перед лицом грядущих испытаний она не теряет спокойствия, она пришла на землю не для того, чтобы призывать людей к покорности и самоотречению, а чтобы служить грядущим поколениям примером человеческого достоинства, самопожертвования и любви.

В 1508 г. по приглашению Папы Римского Юлия II Рафаэль переехал в Рим. Здесь он получил ответственный заказ — расписать несколько помещений второго этажа дворца в Ватикане. В Станца делла Сеньятура, служившей одновременно библиотекой и кабинетом Папы Римского, Рафаэль создал четыре известнейшие фрески: «Афинская школа», «Парнас», «Диспута» и «Юриспруденция». Каждая из них посвящена разным формам духовной деятельности человека: философии, искусству, богословию и законодательству.

Фреска Рафаэля «Афинская школа» — подлинный гимн человеческому знанию. В центре ее великие греческие философы Платон и Аристотель. Один указывает на небо, другой — на землю. Неподалеку Сократ со своими учениками, одинокий, глубоко задумавшийся Гераклит. Здесь же математики Пифагор и Евклид, астрономы Птолемей и Зороастр. В небрежной позе лежит на ступенях лестницы Диоген, учивший довольствоваться в жизни лишь самым необходимым. Многочисленные слушатели и ученики окружают беседующих или размышляющих мудрецов, исполненных сдержанного достоинства и уважения друг к другу.

Каждый из изображенных наглядно воплощает представления об идеальном человеке. Каждый об­ладает высочайшей духовной энергией и глубокой нравственной силой. Каждый неуклонно верит в действенность человеческой

мысли и знаний. Глядя на них, вспоминаются строки из «Божественной комедии» Данте:

Вы созданы не для животной доли,

Но к доблести и знанью рождены...

Интересно, что грандиозная композиция, в которой представлено более 50(!) фигур, не кажется перегруженной. Напротив, она со­здает удивительное впечатление простора и свободы, безупречной легкости в изображе­нии каждой из многочисленных групп. Как великолепна и изящна архитектура с уходя­щими в бесконечность арками величественно­го собора, сквозь которые видна синева клу­бящегося облаками неба!

В «Афинской школе» Рафаэль придает не­которым героям черты своих известных сов­ременников: Платону — Леонардо да Винчи, Гераклиту — Микеланджело. Здесь же он за­печатлел и самого себя, наглядно продемонст­рировав блестящее мастерство портретиста. Вглядимся в строгие портреты современников Рафаэля. За внешней простотой в них легко угадывается богатство внутреннего мира. «Портрет дамы с единорогом», парные портреты супругов Анджело и Маддалены Дони, «Портрет кардинала», «Портрет гра­фа Бальдассаре Кастильоне», «Портрет папы Льва X с кардинала­ми», «Дона Велата», «Автопортрет» — шедевры портретного ис­кусства Рафаэля. В основе каждого произведе­ния лежит глубокое и пристальное изучение природы человека, внимание к его психологи­ческой характеристике. Портретное сходство с оригиналом также становится неотъемлемым условием творчества художника.

Не идеализируя и ничуть не приукраши­вая, Рафаэль изображает известного мецената Анджело Дони, придавая ему черты общест­венного деятеля эпохи Возрождения. Перед нами человек, полный жизненной энергии, спокойной собранности и силы воли. Конт­растность внешнего облика портретируемого усилена строгим черным костюмом с широки­ми красными рукавами и белым воротничком. Массивные перстни украшают пухлые, немного женственные руки. Фигура Анджело дана на фоне пейзажа, усиливающего эмоциональное воздействие произведения на зрителя.

Талант Рафаэля был удивительно разносторонен. Он занимал­ся не только живописью, но и архитектурой, декоративно-при­кладным искусством. Им построены палаццо во Флоренции и вилла неподалеку от Рима, создан целый ансамбль портиков, па­вильонов, парков с прекрасными растениями и сверкающими бассейнами. Ему мы обязаны сохранением знаменитого Колизея, белый туф которого растаскивали несколько веков на всевозмож­ные стройки. После смерти Браманте он руководил строительст­вом римского собора Святого Петра. По картонам Рафаэля вытка­ны гобелены, изображающие эпизоды из жизни апостола Петра. Впоследствии по сохранившимся эскизам Рафаэля ученики рас­писывали лоджии Ватикана.

Последним произведением Рафаэля стало «Преображение Господне» (1518—1520). Но, к сожалению, ему не суждено было завершить работу. Лишь верхняя часть картины полностью вы­полнена великим Мастером. Неоконченное «Преображение» ус­тановили у изголовья умершего в день своего рождения художни­ка, и весь Рим, прощаясь с любимцем, с восхищением взирал на чудо, которое совершилось здесь, на земле, а не на небесах. Через два года ученики Рафаэля завершили картину. Художник, опла­киваемый всем Римом, был с почестями похоронен в Пантеоне, «храме всех богов». Один из его современников пророчески напи­сал в те дни:

«Окончилась его первая жизнь; его вторая жизнь, в его по­смертной славе, будет продолжаться вечно в его произведе­ниях...»

Вопросы и задания

Каковы художественные принципы искусства Высокого Возрожде­ния? Почему этот период в развитии итальянского искусства был назван «золотым веком» Возрождения? Почему именно эта эпоха «породила тита­нов по силе мысли, страсти и характеру, по многосторонности и учености» (Ф. Энгельс)? В чем проявился универсализм творческих гениев этой эпо­хи? Каковы их идеалы? Какое воплощение они получили в их произведе­ниях? Что особенно привлекает вас в творчестве титанов Возрождения?

Леонардо да Винчи утверждал, что «хороший живописец должен уметь писать две вещи: человека и представления его души. Первое легко, второе трудно, так как оно должно быть изображено жестами и движения­ми». Что, на ваш взгляд, особенно удалось ему в портрете «Джоконды»? Почему Вазари назвал этот портрет «настоящим чудом», «божественной вещью»? В чем секрет его неувядающей славы и особого эмоционального воздействия на зрителей?
Каковы основные вехи творческого пути и особенности художествен­ного языка Микеланджело? Как вы думаете, почему его называют одним из самых трагических художников своего времени? В чем драматизм алле­горических фигур капеллы Медичи? Можно ли в его фреске «Страшный суд» увидеть символ крушения идеалов эпохи Возрождения? Могли бы вы объяснить причины того, что эта фреска была принята современниками «с восторгом и удивлением во всем Риме» (Д. Вазари)?
Расскажите о живописных шедеврах Рафаэля. Почему его называют певцом женской красоты? Что из его произведений особенно понравилось вам? Объясните свой выбор.

Творческая мастерская

1.       Леонардо да Винчи писал: «Что побуждает тебя, о человек, покидать свое жилище в городе, оставлять родных и друзей и уходить в поля через горы и долины, что, как не природная красота мира, которою, если хорошенько вдуматься, ты наслаждаешься единственно посредством чувства зрения?» Какое отражение находит мир природы в творчестве титанов Высокого Возрождения? Как и почему изменились принципы ее изображения по сравнению с предшествующими эпохами?

2.       В чем заключается своеобразие скульптурного мышления Микеланджело по сравнению с предшествующими эпохами (Античностью, средневековым Востоком, готикой, Ранним Возрождением)? Как вы понимаете смысл слов Микеланджело о том, что для создания своих скульптур он берет глыбу мрамора и отсекает от нее все лишнее?

3.       Поэт Андрей Вознесенский говорил, что в Микеланджело «умирал Ренессанс и, корчась, рождалось барокко». Так ли это, с вашей точки зрения? Для аргументации своего мнения обратитесь к скульптуре «Скорчившийся мальчик». Напишите небольшое эссе на эту тему.

4.       Рассмотрите архитектурный фон на фреске Рафаэля «Афинская школа». Какие его особенности вы могли бы отметить? Согласны ли вы с мнением некоторых исследователей, что автор выстраивает архитектуру по законам театра? Как Рафаэлю удается передать внутреннюю гармоничную связь между архитектурой и человеческими фигурами?

5.       Известно, что Микеланджело был одним из тех, кто принимал участие в сооружении собора Святого Петра в Риме. Им был спроектирован купол, форма которого впоследствии стала очень популярной. Как вы думаете, в чем состоял главный секрет привлекательности именно такой формы купола? Сравните его с не менее известными образцами: куполом собора Дома инвалидов в Париже, Святого Павла в Лондоне, Казанского и Исаакиевского соборов в Санкт-Петербурге.

Темы проектов, рефератов или сообщений

«Художественные принципы искусства Высокого Возрождения»; «Загадки “Джоконды”»; «Художественные открытия Леонардо да Винчи»; «Фреска Микеланджело “Страшный суд” как символ крушения идеалов эпохи Возрождения»; «Микеланджело — поэт, архитектор и скульптор»; «Творческое развитие художественных принципов Микеланджело в искусстве маньеризма и барокко»; «Рафаэль — певец женской красоты»; «Чем привлекают современников росписи Рафаэля во дворце Ватикана?»; «Искусство портрета в творчестве Рафаэля»; «Художественная роль пейзажа в творчестве художников Высокого Возрождения»; «Идеи гуманизма в творчестве художников Высокого Возрождения».

Книги для дополнительного чтения

Алтаев Ал. Леонардо да Винчи, Рафаэль, Микеланджело. М., 1995. Арган Дж. К. История итальянского искусства. Т. 1, 2. М., 1990. Балдини У. Микеланджело-скульптор. М., 1979.

Баткин Л. М. Леонардо да Винчи. М., 1991.

Дажина В. Д. Микеланджело: Рисунок в его творчестве. М., 1986. Кларк К. Нагота в искусстве. СПб., 2004.

Лазарев В. Н. Старые итальянские мастера. М., 1972.

Лебедянский М. С. Портреты Рафаэля. М., 1983.

Лебедянский М. С. Рафаэль. М., 1995.

Леонардо да Винчи. Микеланджело. Рафаэль. Рембрандт. М., 1993. (ЖЗЛ. Биографическая библиотека Ф. Павленкова).

Мережковский Д. С. Воскресшие боги (Леонардо да Винчи). М., 1993.

Микеланджело Буонарроти. Письма. Поэзия. М., 2002.

Нардини Б. Встреча с Микеланджело. М., 1986.

Санти Б. Леонардо да Винчи. М., 1995.

Степанов А. В. Искусство эпохи Возрождения. Италия. XVI век. СПб., 2007.

Уоллэйс Р. Мир Леонардо. М., 1997.

При подготовке материала использован текст учебника «Мировая художественная культура. От истоков до XVIII века» (Автор Данилова Г. И.)